Doctor Explosion ha vuelto. Si te has sentido interesado por el sonido garage rock seguramente esta banda haya pasado por tus oídos en algún momento de tu vida. Doctor Explosion es una formación gijonesa formada por César (guitarra), Jorge (voz/guitarra), Conrado (batería) y Dani (bajo) que, tras once años de su último disco, vuelven con su alocado ‘Superioridad Moral’ (Slovenly Recordings).  Hablamos con Jorge Muñoz-Cobo, vocalista de la banda, sobre ‘Superioridad Moral’, su orgullo a no querer encajar y cómo ha logrado mantenerse fiel al sonido garage rock más salvaje durante más de tres décadas, bueno, de eso, y de muchas otras cosas, en esta generosa entrevista:

“Superioridad Moral”, ¿a qué hace referencia el nombre del disco?

A muchas cosas. Lo primero hay que ver el título en contexto con la foto de portada. La foto muestra uno de nuestros conciertos en México en 2019 donde se ve a un montón de gente del Rock disfrutando en un momento muy especial de energía, sano desenfreno y diversión. A lo largo de la historia la superioridad moral la ha ejercido el poder, la religión y el establishment para reconducir a los descarriados, la pobre gente para que no se salgan de la norma, a los raros que piensan diferente, al clavo que sobresale y se lleva el martillazo. En el siglo 20 y en plena eclosión de la cultura Pop la “gente de bien y correcta” se han arrogado la superioridad moral para reprobar el comportamiento de los “marginales antiestéticos” que formábamos la gran familia del RockandRoll (esto se puede hacer extensible y de forma genérica hoy en día a todas las culturas Pop actuales vigentes como el Trap o la música urbana), por eso me pareció una bonita licencia poética arrebatársela por un momento a todos aquellos del traje y la corbata que se creen en posesión de la verdad y otorgársela a toda esa gente que baila y se divierte con sus camisetas sudadas de grupos de Rock y que no necesita que le expliquen cómo vivir su vida, ya que la gente no es superior por llevar un traje, o sea, un uniforme formalmente aceptado por la sociedad. Así que Superioridad Moral habla de romper esos clichés y esos parámetros y por tanto es una invocación a la libertad, a liberarnos de esa Superioridad Moral que señalamos. Por tanto, también habla de la falta de libertad que tenemos hoy en día en un mundo donde todos los signos políticos quieren tener razón e imponernos su forma correcta de ver el mundo. Cada vez tenemos menos libertad de decir lo que pensamos, ya por autocensura o miedo a no encajar o ser señalado por la nueva corrección política o por la antigua inquisición conservadora. La religión, el poder del dinero y la visión conservadora del mundo siempre se arrogó la superioridad moral, pero ahora también algunos sectores de la izquierda han caído en esa trampa. Y en la inquisición de la santa moral de uno y otro signo es cada vez más difícil encajar y Superioridad Moral reivindica el derecho a no encajar, a ser un Misfit y un raro, un Punk y un cínico a la manera de la escuela de filosofía griega que se burlaba de la estupidez humana renunciando a las comodidades y convencionalismos de su tiempo, despreciando el poder y el dinero. Mi generación en la adolescencia siempre estuvo orgullosa de no querer encajar y hacer las cosas a su manera. El no querer encajar te hace más libre.

También Superioridad Moral es una autocrítica ya que al final todos somos presos de nuestro punto de vista y en este todos nos creemos superiores al vecino, todos creemos tener más razón que un santo y nadie está libre de esto, así que mis canciones también pueden verse como unas fábulas introspectivas con cierta moraleja, la mía subjetiva donde pretendo tener también parte de razón, la de mi punto de vista, así que también puede entenderse el título como un mea culpa y una burla por verter mis propias moralejas en mis canciones y con el título pretendo reírme de mi mismo y de mi propia estupidez.

Es un título muy llamativo e irreverente que produce sorpresa, por arrogarnos e invocar esa superioridad que es claramente una mofa absoluta a unos, a otros y a mí mismo. Mi buen amigo el filósofo Eduardo Infante ha escrito un texto en la hoja interior del disco que habla precisamente de esto. Hemos invocado a los cínicos griegos (opuestos en significado y valores a la acepción actual del término cínico en nuestra lengua y cultura) para reivindicar este título como algo irreverentemente “cínico”, ya que el título no es más que una denuncia burlona ante la desfachatez y la estupidez tan grande que supone creerse en posesión de la verdad y arrogarse la Superioridad Moral.

Once años sin sacar un nuevo trabajo, pero no habéis estado parados. ¿Qué ha estado haciendo Doctor Explosion durante este tiempo?

Aquí asumo la culpa totalmente, ya que soy el motor del grupo. En los últimos años estuve más volcado en el trabajo de estudio de grabación produciendo discos a otras bandas y artistas. Hice un montón de discos e incluso compuse canciones para otros. También monté otro estudio en Austin Texas con mi amigo Gian Ortiz de Amplified Heat y viajé allí con cierta frecuencia. Fue una experiencia increíble y aprendí mucho, parte del resultado de esa experiencia es este disco. En 2018 y 2019 hice dos giras por Latinoamérica acompañado por Tatu y Juano, los chicos de The Abstinence, una banda de garage argentina que son fans de Doctor Explosion. Me invitaron a ir y me lancé a la aventura. Fui solo, empecé yendo a Buenos Aires sin conocerlos de nada y congeniamos inmediatamente, podría haber sido un desastre, pero fue genial, estábamos en la misma onda musical y personal y ha surgido una profunda amistad después de dos giras. En la vida siempre hay que arriesgarse. Estuve un mes en Argentina y montamos todo el repertorio ensayando en la zona oeste de Buenos Aires, en Padua. Giramos por Argentina… Rosario, Córdoba, Buenos Aires Capital y también por garitos de la zona oeste, luego fuimos a Montevideo y a Brasil, y al año siguiente hicimos otra vez esto mas México y Chile. Fue increíble y me di cuenta de que lo que más me gusta es tocar, conocer mundo y gente. El contacto con la gente, con el público. Poder viajar así me parece una maravilla y una suerte. El estudio es divertido, pero es estar encerrado y ahora es tiempo para derrochar energía, viajar y explosionar.

El disco ya lo había terminado en diciembre de 2019 pero vino la pandemia y guardé el disco en un cajón durante dos años, eso fue muy difícil. En 2016 empecé la grabación de este disco en enero, grabamos algunos días y ahí se paró. Grabamos ‘El Día que David Bowie murió’ el mismo día que David Bowie murió, y le envié la demo a Diego Rj y sonó en el Sótano al día siguiente. ‘Insatisfacción’ la grabamos también esa misma semana junto con demos de otras canciones. Ese 2016 hice una gira por Italia con Doctor Explosion y refundamos Las Munjitas del Fuzz con los miembros originales de Doctor Explosion; Varo y Félix. En 2017, hicimos una gira Las Munjitas por California y Puerta Rico, fue muy divertido. Luego como os digo el intenso trabajo del estudio y los viajes a USA retrasaron el disco que había empezado y se había parado en enero de 2016. En febrero de 2019 retomé la grabación y composición de canciones con la energía renovada que me dieron esas giras latinoamericanas y ese cambio personal de volver a ilusionarme por Doctor Explosion que tenía abandonado. Con Munjitas editamos 4 singles e hicimos unos cuantos conciertos por España y alguno por Alemania. También he estado tocando en otro grupo que se llama The Ripe, entre 2011 y 2016, junto con Jake Garcia de Los Black Angels, Gian Ortiz y Nick Yaklin, mis hermanos tejanos.

El anteriormente comentado ‘Insatisfacción’ fue vuestro single de regreso, le siguió el reivindicativo ‘Vestir de Mujer’, el enérgico ‘El Día en que David Bowie murió’ y el furioso ‘Grises’ ¿Por qué han sido los elegidos y lanzados en ese orden?

La primera canción ‘Insatisfacción’ por dos motivos, principalmente porque con el resultado quedamos muy sorprendidos, tiene una potencia especial basada en el tempo y en la simpleza del riff de guitarra con un sonido saturado también del bajo y el fuzz. Es un tempo medio que no solemos trabajar en las canciones, esto sumado a la producción le da un aire muy actual de neo psicodelia hard psych, mezclado con garage punk y la convierte en algo muy inesperado y novedoso para Doctor Explosión, así que mola volver ofreciendo temas que la gente no se espera. Por otro lado, la letra es una declaración de principios, cuando estas harto de toda la insatisfacción es la luz roja que despierta la alarma interior que te hace tomar decisiones y avanzar asumir la determinación de llevar adelante la vuelta del grupo. Esa determinación ya estaba presente y la pandemia no ha hecho más que amplificarla.

‘Vestir de Mujer’ es mi canción favorita del disco y me gustaba que fuera la segunda por ser otra canción digamos inesperada viniendo de lo que la gente cree que podría esperar de nosotros, tiene una onda también muy actual de nueva psicodelia y cierta complejidad en la construcción de las guitarras interesante. Era una forma de seguir desmontando esa imagen que parte del público tiene de nosotros. Tanto la temática que abordo en la letra como la canción en sí, no es algo para tomar a broma, y ahí lleva unas semanas en el puesto número 1 o 2 de la playlist Neo Psychedelic Rock.

Luego sucedió que en verano entramos en rotación en la emisora de Little Steven “Underground Garage Radio” y ellos pidieron seleccionar dos singles para sonar todo el verano, y eligieron ‘El día que David Bowie murió’ y ‘Grises’, en ese orden. Así que no me compliqué y seguí el mismo orden que ellos eligieron. Además de las dos canciones teníamos videoclips y las dos representan muy bien el estilo de Doctor Explosion más clásico de Garage 60s Punk con toques de Beat Pop y era una forma de mostrarle a los fans de siempre que estamos de vuelta y que seguimos siendo nosotros, aunque hayamos ampliado registros nuevos. En el caso de la canción que habla de Bowie fue pura coincidencia que el día que la estrenamos se estrenara también en todo el mundo el documental sobre Bowie “Moonage Day Dream”. ¿Por qué pasan esas casualidades?

¿Qué temáticas predominan en las canciones de este disco?

No he hecho un análisis de esto, pero te diré que temáticas de lo más variadas, y que intento siempre escapar de lo convencional, de las manidas historias de amores resentidos y de tratar las historias de una forma genérica. Me gusta partir de un detalle concreto que personaliza la historia y desde ahí ir construyendo la canción para sentirme implicado en el detalle. Me gusta que la historia sea veraz conmigo, de esa forma puedo sumergirme en ella e interpretarla con sinceridad. Mis historias son en parte verídicas en parte ficciones con toques de realidad, son introspectivas y a veces oníricas, donde se confunde realidad y subconsciente, a veces con muy mala leche, a veces con ternura, pero siempre con una visión poliédrica sobre las cosas que llaman mi atención, ya que, como todo en la vida, las historias tienen muchos ángulos y puntos de vista, y esa complejidad es lo que las hace interesantes. Hay un tema recurrente que es ese “no encajar” que tienen todos mis personajes.

Cada single viene acompañada por una breve explicación sobre lo que trata o queréis decir con ellas; personalmente, agradezco que un artista muestre las razones por las que ha decidido componer un tema, ¿crear contexto alrededor de las canciones ayuda?

Bueno más bien el texto y el contexto lo he buscado con posterioridad a la canción. Me pareció una buena forma de presentárselas a la gente, explicando lo que eran para mí esas canciones. A mí me sirvió como ejercicio de entender porque hago las cosas. Las canciones en mi caso surgen de la urgencia, cuando todo fluye rápido y de forma intuitiva y uno no sabe muy bien porque hace las cosas, simplemente nacen de una necesidad de contar. De todas formas, las canciones deben explicarse por sí solas.  Pero también me he dado cuenta de que el ejercicio de explicarlas me parece un extra interesante que las pone más en valor.

Nuestras canciones suelen ser cortas, de dos minutos la mayoría, así que un poco de contexto y de literatura alrededor es algo nuevo e interesante como carta de recomendación a los demás. Pero insisto, la canción debe primero explicarse a sí misma.

Háblanos sobre la evolución del vuestro sonido en este nuevo trabajo y qué os aporta el garage rock para manteneros fieles durante estos años.

El Garage es un concepto estético basado en la crudeza y falta de artificio, o en un artificio descontrolado, porque en el estudio siempre hay algo de artificio y control, pero no me gusta endulzar las cosas y que el exceso de control y floritura estropee el resultado. Me gusta la crudeza y reflejar la realidad excitante de este género musical cortado a machetazos, descarnado. Sonidos crudos y guitarras chirriantes donde casi puedes ver vibrar el altavoz y las válvulas echar chispas y donde todo parece que esté a punto de romperse. Es una apuesta estética, es más, me gusta hasta dejar fallos si se producen haciendo hincapié en ese concepto de que lo feo es también bonito. Que en la interpretación no todo este perfecto, bajo control. El error humano es parte del arte y me gusta mostrarlo. Me gusta que todo esté a punto de descomponerse y que se perciba la energía de la gente tocando junta, que eso se palpe en las canciones, que suceden como algo impredecible con sus errores. Si no, tanto control en una grabación la edulcora y aleja de la cruda realidad.

A lo largo de los años he ido adquiriendo más experiencia en cada grabación del estudio y he intentado ir buscando siempre lo que era oportuno para cada producción. Así que la evolución en nuestro sonido es en parte toda esta experiencia, enfocada a lograr esa crudeza que nos identifica pero que a la vez me gusta que suene bien. Cuando escuchas discos clásicos de Punk o de Garage como Sonics o Link Wray, incluso cuando escuchas el single de los Kinks de ‘All day and all of the night’, todo suena a punto de romperse y la energía está increíble, pero a la vez suena agradable a todos los oídos. Ese era el reto, lograr un resultado final que fuese musicalmente agradable y a la vez que no pierda un ápice de salvajismo y energía. Hay un riesgo asumido en este disco de llevar los sonidos al límite y más allá de lo normal, pero a la vez haciéndolo sonar bien para un oído exigente. Y también lo he mezclado teniendo en cuenta como suenan los discos de hoy en día que me gustan.

¿Por qué habéis elegido una foto de uno de vuestros conciertos como portada del disco?

Resulta que estábamos en pandemia y no era fácil quedar todos para hacer una sesión de fotos, ya que el fotógrafo que queríamos vive en Madrid y en ese momento Pibli y Pablo, que fueron quienes grabaron el disco y quienes formaban parte del grupo, viven en Mieres. Cesar también vive en Madrid y yo en Gijón. Intentábamos quedar para hacer la foto de portada y era una pesadilla cuadrarlo, no coincidían bien las fechas de cada uno y el tiempo se echaba encima. Probé con una ilustración, pero lo que me mostraban no me convencía. Además, no tenía claro el título aún ni el concepto y discurso detrás del título, así que de repente tenía esta foto buenísima del concierto en México que refleja muy bien el delirio de un concierto de Rock, la energía entre un público y banda. Supe que era una buena opción y tiré por ese camino, ya que la foto casi sola hacía la portada.

Recogiendo una de tus frases sobre el último adelanto, ‘El Día en que David Bowie murió’, pudimos leer: “el drama y el duelo de la muerte no están presente en nuestra cultura, pero sí el legado artístico, que perdura y es inmortal”.

Sí, somos una cultura que vive de espaldas a la muerte, y somos una sociedad que aspira a creerse inmortal. Las operaciones estéticas están al orden del día y son un parche para seguir engañándonos. Cada vez la ciencia habla más de alcanzar la eterna juventud ya bien por clonación o por modificación del ADN, la ciencia es la nueva religión, junto con el dinero y el deseo de inmortalidad, si te fijas tanto la ciencia como la religión las dos compiten por prometer la vida eterna. Eso sí, siempre para unos pocos. Pero la muerte es parte de la vida, y el que la vida sea finita es los que la hace interesante. Ya lo dijo Jess Franco en ‘Karate a Muerte en Torremolinos’: “La eternidad es un aburrimiento de mierda”.

A medida que envejeces y ves que el tiempo que te queda es menos, te aplicas más en hacer las cosas que te importan, en mi caso escribir canciones. Las canciones y las obras perduran y nos sobreviven, si es que nuestro mundo logra sobrevivir al cambio climático, esas canciones nos sobrevivirán al menos mientras el mundo siga girando, aunque solo sea en un rincón de la todopoderosa internet. Por eso me pareció interesante hablar de la muerte de un icono del Pop, con cierto sarcasmo, pero también con respeto de tributo. “Changes” me parece una canción increíble, siempre me lo pareció y aunque he de confesar que Bowie nunca me ha interesado demasiado en lo musical como para coleccionar sus discos en vinilo, si me parece un artista conceptual de lo más interesante como para dedicarle una canción y utilizarle para escribir sobre la intrascendencia cotidiana frente a la muerte de un mito del Pop. Ese contraste entre la intimidad de la muerte que nos iguala a todos frente a la inmortalidad de la imagen icónica que perdura, me pareció algo muy sugerente que se me presentó por casualidad, ya que estaba intentando escribir una canción cuando de pronto me sorprendió la noticia de su muerte, guitarra en mano. Así que ese mismo día la canción estaba escrita y terminada, el mismo día que David Bowie murió.

Cuéntanos cómo surge crear una canción como ‘Vestir de mujer’:

Pues la melodía y la música surgió de forma espontánea por un lado y la letra surgió de forma también espontánea por otro, pero tres años más tarde. Hay veces que de pronto das con una frase que revela una serie de imágenes que condensan el contenido de una canción, y a partir de ahí vas hilvanando el resto. En ‘Vestir De Mujer’ me inspiré en un suceso personal importante. En la incomprensión por parte de una de mis parejas de hace años con que tuviese amigos travestis y drags queens. Recordar el dolor de esos prejuicios a partir de solo una frase de la canción “A ti no te sienta bien que me guste vestir de mujer”, generó la nostalgia del amor frustrado, de no sentirte comprendido, que me puso en el camino de completar la canción con la sinceridad suficiente como para cantarla de forma sentida. Además, durante muchos años todo el grupo solíamos vestir con faldas para salir al escenario, lo que la hace aún más real. Como muchos de mis personajes en las letras de este disco, son personas que no encajan en ninguna parte por diferentes motivos. También en la adolescencia cuando emulaba a mis ídolos Rolling Stones y Kinks vistiendo botines de tacón cubano y pelucón casco estilo Brian Jones sentía muy mía esa forma de no encajar y ser diferente o tener inquietudes diferentes al resto me llevó con veinte años a sentirme atraído por ambientes marginales y frecuentar la amistad de travestis y drags que para mí eran personas valientes dignas de admiración por como afrontaban el reto vital de su singularidad ante la mirada de una sociedad provinciana. Así que de eso va ‘Vestir de Mujer’, de ser quien quieras ser y de reivindicar la singularidad frente a los prejuicios y convencionalismos.

“Todo lo que es gris me hace gritar”, ‘Grises’ es el tema introspectivo donde habláis de los fracasos personales y el paso del tiempo. Jugáis con un cambio de color en el videoclip, de blanco y negro a color y viceversa, intencionado. ¿Qué representa?

El blanco y negro representa el encanto europeo de ese existencialismo de la Nouvelle Vague tan humanista presente en las pelis de Francoise Truffaut, y en sus personajes. Hay una referencia clara a Antoine Doisnell que es otro misfit que no encaja en el mundo. También está la referencia a Jules et Jim. El color representa California, la tierra prometida del Rock, pero es un espejismo, en verdad nuestro personaje tampoco encaja allí. Y ese contraste entre los dos mundos y ese no encajar en ningún lugar es en donde nace la magia de la acción que genera esa rabia existencial en forma de Garage Punk. Personalmente, me gustan más los días nublados que los días soleados.

Este verano comenzasteis la gira de conciertos; dos en Madrid, festivales como Al-Andalus (Málaga) o Sonorama (Burgos), Alicante, Castellón… ¿qué tal la conexión con el público?

Ha sido muy buena. El grupo suena más compenetrado con cada concierto. Me gusta provocar esa conexión con el público hablándole de tú a tú en los conciertos tirando de improvisación, es una de las cosas que más me divierte de las actuaciones, el ver como ir conectando con la gente del público, con los músicos de la banda y como ir sorprendiéndonos a todos conduciendo el show hasta un desenfreno colectivo donde todos lo pasamos bien, porque a los conciertos se va a pasarlo bien

Este disco ha sido grabado en el estudio Circo Perrotti que tienes en Gijón, todos hablan maravillas del estudio, ¿qué tiene de especial grabar en Circo Perrotti? Por lo que sabemos, cuenta con equipo analógico: microfonía, mesas de mezclas, grabadores de cinta antiguos…

Sí tiene todo eso y más cosas, previos Telefunken, Reverbs de placas de los años 50 y compresores Pye y Fairchild…Pero no nos engañemos, las maquinas solo son maquinas, lo que importa es la mirada artística de las personas, las canciones y arte de los músicos, y como gestionar todo eso orientado a conseguir un fin, que es que una determinada canción suene de una determinada manera. En toda producción las canciones van enmarcadas en un contexto de sonido determinado que les aporta encanto, belleza y personalidad extra, aparte de la que aporta el artista que las interpreta. Imagina por un momento que las canciones del primer LP de The Byrds sonasen como las de Megadeath y viceversa. Cada canción y cada artista necesita un contexto de sonido necesario para mostrar todo su encanto y potencial y en parte de ese arte está también la visión y personalidad del que maneja los mandos, que es quien hace especial una sesión y un estudio de grabación. La experiencia de ir buscando y explorando esas diferentes posibilidades del sonido en las canciones es a lo que he dedicado mi tiempo y mi inquietud en estos años y te puedo decir que cada vez que empiezas un nuevo disco es como empezar de cero, con cada proyecto, hasta lograr un resultado musicalmente atractivo y estimulante. No me canso nunca de volver a empezar. Cada canción y cada proyecto es un misterio que resolver.

Doctor Explosion está muy ligado a una puesta en escena salvaje y con absoluta libertad de movimiento. Poder tocar desnudos en directo puede ser uno de los ejemplos más llamativos, pero no el único. ¿Tiene sentido para Doctor Explosion trabajar duro sin conseguir divertirse por el camino?

Para poder divertirse por el camino es necesario trabajar duro, pero trabajar duro a veces es también divertido si haces algo de verdad que te gusta. Los desnudos ocasionales en nuestros shows son cosa del pasado, de hace más de 25 años. En ese momento habíamos llevado nuestra actitud Punk a un límite y eso fue una forma iconoclasta de transgredirnos a nosotros mismos y a la cultura 60s y Mod de la que proveníamos, una forma de auto irreverencia necesaria para asesinar la identidad icónica común y reafirmar nuestra singularidad. Había que asesinar el origen para no ser otro grupo 60s más y buscar la propia identidad que ahora tiene nuestra música. Esos actos de desnudarnos en público fueron auténticos actos de psicomagia al más puro estilo Jodorowsky donde sacrificamos el encorsetamiento típico del género 60s para llegar a ser nosotros mismos. Siempre nos hemos divertido haciendo todo lo que hemos hecho y todo esto ha sido un viaje mágico y un pícnic genial que nos ha traído a este álbum “Superioridad Moral”.

En una entrevista reciente en ElAlebrije.net, te escuché decir que el enemigo principal de un artista es caer en la comodidad, comentabas: “es interesante estar siempre en movimiento, siempre inquietos y nunca en un lugar cómodo”. ¿Crees que es una de las razones principales por las que sigáis en la música y quizá el problema de que muchas otras bandas no logren permanecer?

Tiene que gustarte mucho para que aceptes el riesgo y el reto de no saber muy bien donde estas cada vez que empiezas una canción, que te motive resolver esa dificultad, porque en todo lo creativo siempre estas construyendo en el aire de la imaginación y no hay nada seguro. Todo es un juego intuitivo donde no hay nada seguro. Las canciones son puzles, enigmas que se presentan de golpe, y que tienen infinidad de maneras de ser resueltas, así que toda esta toma de decisiones que requieren produce un desgaste vital que es la antítesis de la comodidad.

¿Qué opinas sobre la escena musical actual?

Siempre hay buenos grupos y buena música con la que sorprenderse. Desde hace unos años hay un fuerte resurgir de bandas inspiradas en el rock psicodélico y justo ahora hay un montón de propuestas interesantes que se dan cita en el festival Levitation de Austin, Texas y en su edición europea en Angers (Francia). Muy recomendable explorar esa escena internacional. He tenido la suerte de grabar a alguna de estas bandas como Boogarins de Brasil, pero hay muchas más como Asteroid Number 4, Elephant Stone, The Black Angels, Christian Bland and the Revelators, Hoover 3, Claypool Lennon delirium, Jacco Gadner, Oh Sees, Ty Segall, Kikagaku Moyo, Bombino, Moon Duo, Triptides, Levitation Room, Woods, Melody Echo Chamber, Dallas Acid, W.i.t.c.h. , Ufo Club, Doug Tuttle, La Femme, Frankie and the Witch Fingers, Alex Maas, Mohama Saz, Dungen, The Ripe, Unknown Mortal Orchestra… por citar algunos. ¡Un momento increíble en la escena musical actual a nivel mundial, sin duda!!

Alguna banda nacional o internacional que te haya llamado la atención especialmente:

Muchas. Todas las citadas anteriormente y, además, me ha gustado mucho el nuevo disco de Airbag “Siempre Tropical”, También mucho el nuevo de The Black Angels. Otros artistas que me tienen enamorado son los tejanos The Mellows y su single ´I am going home’, Felix Holt and the Radicals y su canción ‘Buffalo 66’, también me flipa Clara Luciani y su single ‘Le Reste’. El último disco de Ilegales contiene canciones buenísimas como ‘Mi vida entre las hormigas’ y ‘Estrella venenosa’. también he escuchado mucho este mes el disco de Calamaro “Cargar la suerte” especialmente las canciones ‘Diego Armando Canciones’ y ‘Las Rimas’. Me ha flipado el concierto que hizo Santiago Motorizado cuando actuamos juntos en Valencia este 29 de octubre.

¿Dónde podemos seguir los próximos pasos de Doctor Explosion?

Vamos publicando todo en nuestra cuenta de Instagram @doctorexplosion y en Facebook. Cuando tengamos tiempo haremos una página web, por ahora hay otras prioridades.

 

DOCTOR EXPLOSION – ‘ SUPERIORIDAD MORAL TOUR’ 

2022-2023

Miércoles, 16 de noviembre – GIJÓN – Teatro Albéniz (FICX, Festival de Cine de Gijón)

Viernes, 18 de noviembre – SEGOVIA – Winter Indie City

Sábado, 19 de noviembre – ZARAGOZA – Sala Zeta

Sábado, 26 de noviembre – SEVILLA – Monkey Week ENTRADAS

Viernes, 6 de enero – MADRID – Sala El Sol (INVERFEST)

Viernes, 10 de marzo – ALCÁZAR DE SAN JUAN (C. REAL) – Rebel Rebel